LA MARQUE NOIRE
Stevent Parrino, Retrospective, prospective

Steven Parrino
RETROSPECTIVE 1981-2004

Durant près de trois décennies Steven Parrino a renoué un lien vital avec le principe prétendument dépassé de &quot;radicalité&quot;. Au début des années 1980, alors que la sentence publique proclamait la mort de la peinture, plutôt que de se joindre aux funérailles, Parrino prit le parti de la nécrophilie. Entre ses mains, les techniques issues de l’appropriation se firent délictueuses, un moyen pour lui d’incarner de manière convulsive l’effondrement du récit des avant-gardes. Non pour projeter une image distancée de cet échec historique, mais pour produire une matérialisation visuelle brute de ses effets. Ni nostalgiques ni cyniques, ses peintures monochromes froissées, ses films et performances, ses photocollages et travaux sur papier réalisés avec des matériaux aussi chargés de sens que peuvent l’être l’émail industriel, le sang ou les paillettes, procèdent plus des peintures noires de Frank Stella et de son credo &quot;ce que vous voyez est ce que vous voyez&quot; que de toute tradition post-pop distancée. Et encore, précisons, pas de n’importe quels tableaux noirs de Stella, mais plus spécifiquement de Arbeit Macht Frei (1958) et Die Fahne Hoch (1959). Aux yeux de Parrino, ces toiles n’étaient pas &quot;noires&quot; pour rien… 

Au noir de Stella, il faut encore ajouter l’argent des tableaux de désastre de Warhol (1963). Tout comme les toiles monochromes froissées de l’artiste, qui évoquent la carrosserie d’une voiture après un accident, les dessins de Parrino s’appropriant des images issues de sous-cultures 'biker', no-wave et punk, de la bande dessinée ou de manchettes de tabloïds, sont autant de &quot;signes évidents d’une violence servie à froid&quot; (Robert Nickas). La rétrospective du Palais de Tokyo comporte près d’une centaine d’œuvres réparties en trois espaces distincts. Tout d’abord, une sélection importante d’œuvres &quot;figuratives&quot; des années 80 et du début des années 90 met en exergue la fascination de Parrino pour la surface infiniment glamour, volontairement bête et méchante, de la contre-culture américaine. La partie centrale de la rétrospective s’inspire des grandes expositions de peintures réalisées par l’artiste tout au long de sa carrière, et réunit nombre de ses toiles les plus emblématiques, tel que Slow Rot (1988), un tableau &quot;peint&quot; avec de l’huile de vidange, ou Stockade (1989), qui prend la forme d’un pilori. Enfin, est présenté un choix des dernières œuvres de Parrino, où s’installe un dialogue avec la figure de Smithson, nourri de science fiction apocalyptique et de carnavalesque satanique.

&quot;La radicalité vient du contexte et pas nécessairement de la forme, écrit Parrino. Les formes sont radicales dans la mémoire, en perpétuant ce qui fut radical autrefois par l’extension de leur histoire. L’avant-garde laisse un sillage et, mue par une force maniériste, elle poursuit son avance. Même dans la fuite, nous regardons par-dessus notre épaule et approchons l’art par intuition plutôt que par stratégie. Vu sous cet angle, l’art est plus culte que culture&quot;. Fabrice Stroun, Conservateur associé, Mamco, Genève, et commissaire invité. 

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BEFORE
(plus ou moins)
24 MAI - 25 JUILLET

&quot;Les cinquante dernières années de la culture américaine nous sont décrites dans le travail de Steven Parrino, des ‘hipsters’, ‘hot rods’, queens grotesques et motards des années 40-50 aux hippies, fans de Harley, stars du porno et punks des années 60-70, jusqu’à leur ré-émergence aujourd’hui.&quot; (Robert Nickas) 

Empruntant à toutes les formes de la culture américaine (motards, super héros, musique punk, films d’horreur, etc.), l’art de Steven Parrino conserve un lien fort avec l’histoire de l’art moderne, notamment de l’avant-garde américaine d’après-guerre. Les sources de la force expressive de Steven Parrino, du drame perpétuel en train de se produire, de cette radicalité chromatique, de cette extrême violence au pouvoir destructeur, se retrouvent dans les œuvres d’artistes aussi divers que Andy Warhol, Vito Acconci, Robert Smithson et bien d’autres. Ses couleurs fétiches, noir et argent, sont les couleurs des Harley Davidson, des amplis de guitare, des lunettes de soleil (que Parrino portait même la nuit), mais aussi celles des peintures de Frank Stella ou encore des matériaux industriels, comme l’acier ou la laque, utilisés par Donald Judd dans ses travaux.

La démarche de Steven Parrino dans sa recherche d’une peinture réaliste conçue en tant qu’objet ou fait réel, peut être interprétée comme une nouvelle forme de &quot;réalisme&quot;, dans la tradition des artistes américains d’après-guerre. &quot;Le réalisme a été redéfini depuis Courbet comme étant passé de la représentation de la réalité du jour à la définition de l’objet dans le monde réel. La subjectivité consiste en l’acte de sélectionner et n’a rien à voir avec les mélodrames de l’imagination/désir, seulement avec les faits&quot; disait Parrino. L’artiste a choisi de s’inspirer de ses prédécesseurs afin de donner une nouvelle direction à la peinture au moment le plus critique, où tout le monde proclamait sa mort. 


Before (plus ou moins) regroupe certaines pièces clés dans la formation de l’univers esthétique de Steven Parrino. Composé de pièces historiques des années 1960/1970 – comme la série Electric Chair d’Andy Warhol, une pièce monochrome en acier inoxydable de la série Progression de Donald Judd (réalisée entre autres avec de la peinture-laquée de Harley Davidson), la vidéo Claim Excerpts de Vito Acconci, ou encore les vidéos Rundown et Swamp de Robert Smithson, mais aussi les Stella Black Paintings de Sturtevant ou le film Invocation of My Demon Brother de Kenneth Anger, Before (plus ou moins) dessine un paysage d’influences multiples et entrecroisées qui met en évidence la fascination de Steven Parrino pour le monochrome, son usage immodéré de la ré-appropriation et sa conception de l’œuvre comme surface de projection et d’association libre.


Vito Acconci, Kenneth Anger, Donald Judd, Robert Smithson, Frank Stella, Sturtevant, Andy Warhol.

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BASTARD CREATURE
24 MAI - 25 JUILLET

Steven Parrino n'a eu de cesse de briser les frontières. S'il a fait se croiser disciplines et médiums, il a également sollicité la collaboration de nombreux artistes. Reconnaissant l'importance de la nouvelle génération, il a soutenu sans discontinuer l'œuvre d'artistes en lesquels il croyait, collaborant avec eux, écrivant sur eux ou les invitant à participer à des expositions dont il était le commissaire. Bastard Creature rassemble les œuvres de cette communauté d'artistes qui continue de s'inspirer de Parrino et de son énergie.

Bastard Creature prend pour point de départ deux expositions organisées par Steven Parrino lui-même : Bastard Kids of Drella, part 9 (Le Consortium, Dijon, 1999) et The Return of the Creature (Künstlerhaus Palais Thurn und Taxis, Bregenz, 2003). En écho à son ouverture d'esprit, le Palais de Tokyo a décidé d'inviter les directeurs de ces deux institutions à rejoindre l'équipe curatoriale pour la préparation de Bastard Creature.

L'aura iconique de l'autoportrait photographique d'Andy Warhol d'un côté, la désinvolture glamour de Courtney Love à genoux photographiée par Michael Lavine de l'autre, posent le cadre de l'exposition. Entre les deux s'affichent rituels, violence, sexe, pop culture, gloire, beaux-arts, et nouveaux idéaux surgis des ruines d'une culture en décomposition. Le &quot;trash&quot; se heurte à l'esthétique formelle et révèle que l'un ne va pas sans l'autre.

Beau et laid, transparent et opaque, noir et coloré, une lutte des contraires sous-tend l'œuvre de Jutta Koether. Collaboratrice régulière de Parrino et de son projet musical Electrophilia, elle présente ici une toile noire mêlant divers matériaux. Autre collaboratrice, Amy Granat conçoit des films 16mm en boucle et ses Chemical Scratch Films (2003) sont nés de la destruction même du film. Amy O'Neill présente une nouvelle version de sa série Parade Float Graveyard, une roue de wagon en métal doré sur une plateforme tournante. Avec ses sculptures aux surfaces monolithiques lisses noires ou dorées, Mai-Thu Perret poursuit l'écriture d'un scénario qui intègre la notion d'un héroïsme contrarié. 

Les œuvres de Chuck Nanney, Blair Thurman, Banks Violette et Richard Kern font plus directement référence à la pop culture et à ses héros déchus. La peinture de Nanney reconsidère le pop à l'aune du minimalisme ; les néons de Thurman évoquent les courses automobiles ; tandis que Violette propose un face-à-face entre deux plateformes noires et un télescopage de lumières fluorescentes, comme si une musique avait dépassé son point de rupture. Le film de Richard Kern, basé sur l'évocation de pratiques extrêmes, reflète la décadence et l'indécence de la culture underground du Lower East Side de New York.

Présentes dans l'œuvre de Steven Parrino, les qualités graphiques de l'image dépouillée jusqu'à sa pure essence sont également centrales dans l'œuvre de Gardar Eide Einarsson, qui, armé d'un pochoir et d'une bombe de peinture, couvre le mur d'une réplique de grillage. A une plus petite échelle, Richard Aldrich ramène la peinture à son potentiel graphique minimal. Les motifs et lignes courbes du dessin d'Elizabeth Valdez ont été créés pour la couverture de son album de bande dessinée Black Noise – une série d’albums à paraître, créés en souvenir de Parrino et produits par les artistes John Armleder, Mai -Thu Perret et Amy Granat. Les photocopies de Cinema Zero, collectif nomade lancé grâce au soutien et aux encouragements de Steven Parrino constituent des collages étranges qui servent aussi d'annonce aux événements organisés par le collectif. La vidéo FTW (for S.P.) est une collaboration faite au début 2005. 

Comme leur ami et collaborateur Steven Parrino, tous ces artistes explorent les marges de la culture et tous croient dans le potentiel radical de l'art.

Richard Aldrich, Cineme Zero, Gardar Eide Einarsson, Amy Granat, Richad Kern, Jutta Koether, Michael Lavine, Chuck Nanney, Amy O'Neill, Mai-Thu Perret, Blair Thurman, Elizabeth Valdez, Banks Violette, Andy Warhol.

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Projets spÉciaux /
fenÊtres
Depuis septembre 2006, Olivier Mosset intervient sur les fenêtres du Palais de Tokyo en adoptant la célèbre phrase d'Ellsworth Kelly : &quot;Je suis bien plus interessé par les fenêtres entre les peintures que les peintures elles-mêmes&quot;.Ajoutant un nouvel élément, Olivier Mosset invite des artistes à projeter des films sur une des fenêtres, l'écran devenant visible depuis l'avenue.Pour LA MARQUE NOIRE, l'artiste américaine Amy Granat présente The Saints (2006-2007), une série de six films 16mm qu'elle a réalisé en collaboration avec les artistes Fia Backström, Jutta Koether, Amy O'Neill, Mai-Thu Perret et Angel Turner.

Since September 2006, Olivier Mosset has intervened on the windows of the Palais de Tokyo by adopting Ellsworth Kelly's famous quote, &quot;I'm more interested in the windows between the paintings than the artworks themselves.&quot;Adding a new component, Mosset invites artists to project films on one of the windows, for screenings that are visible from the street.For LA MARQUE NOIRE, New York artist Amy Granat presents The Saints (2006/2007), a series of six 16mm films she made in collaboration with artists Fia Backström, Jutta Koether, Amy O'Neill, Mai-Thu Perret et Angel Turner.
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modules / 
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3 MAI - 3 JUIN


Adriana Garcia Galan, artiste d’origine colombienne, réalise depuis quelques années un travail à la fois ludique et politique. Elle s’intéresse particulièrement à la question du langage et au pouvoir des mots, qui sont à la base de toute communication dans la société actuelle et un outil de construction. Multimédia, vidéo, son ou performance, ses œuvres requièrent souvent la participation des spectateurs, inscrivant son travail dans un échange permanent.
“Programme de gouvernement” est une œuvre récente et inédite d’Adriana Garcia Galan. Sur fond de ciel bleu, deux « beat boxers » récitent respectivement le programme officiel de Ségolène Royal et de Nicolas Sarkozy pour les élections présidentielles de 2007. Le « beat boxing » est un art urbain dont les protagonistes appartiennent le plus souvent aux cultures rap et hip hop – cultures traditionnellement assez critiques à l’égard de la classe politique. Le discours politique est ici transformé en rythmes et en images, générant un nouveau point de vue sur la question du pouvoir.

Adriana Garcia Galan [1977]
Vit et travaille à Paris

Beat boxers :
Faty, David-x

Remerciements :
Santiago Caicedo, Sonia Levy, Bruno Persat


Adriana Garcia Galan, a Colombian artist, has developed a body of work that is playful and political. She is particularly interested in the question of language and in the power of words, both the basis of any communication in modern society and tools of its construction. Multimedia, video, sound or performance, her works often require the participation of the public, placing her work in a permanent exchange.
“Programme de gouvernement” [Government Program] is a new work by Adriana Garcia Galan. With a perfectly blue sky as a background, two « beat boxers » recite the official agenda of Ségolène Royal and of Nicolas Sarkozy for the 2007 presidential elections. « Beat boxing » is an urban art whose characters are mostly part of the rap and hip hop cultures – cultures traditionally critical towards the political class. The political discourse is here transformed into rhythms and images generating a new point of view on power.

Adriana Garcia Galan [1977]
Lives and works in Paris

Beat boxers:
Faty, David-x

Special thanks:
Santiago Caicedo, Sonia Levy, Bruno Persat
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3 MAI - 3 JUIN 

Le duo d'artistes néerlandais Lonnie van Brummelen et Siebren de Haan s'intéresse par divers biais formels à des questions d'ordre politique, qui vont du statut de l'artiste aux conséquences économiques du ralliement d'un pays à l'Union Européenne. Leurs travaux touchent aussi bien à la photographie, à l'écriture, au film, en passant par des installations ; ils opèrent également un travail curatorial. Engagés, les artistes se posent de manière récurrente la question de l'institutionnalisation, celle de l'art en particulier, reliant ainsi éthique et esthétique.
Pour leur nouveau projet, ambitieux et inédit en France, les artistes ont voyagé de la Pologne au Nigeria afin de faire des recherches sur le coût du sucre dans le monde. Intrigués par le prix dérisoire du sucre européen en dehors de l'Europe, ils ont décidé de renverser le flux de sucre en achetant l'excédent européen, bon marché, au Nigeria et en l'embarquant à nouveau pour l'Europe. Le résultat de cette véritable expédition, ”Monument en sucre”, est montré au Palais de Tokyo sous la forme d'un film 16mm, de sculptures en sucre et d'une publication retraçant tout le processus de réalisation des œuvres.
Lonnie van Brummelen [1969]
Siebren de Haan [1966]
Vivent et travaillent à Amsterdam, actuellement en résidence à Paris

The Dutch artistic duo Lonnie van Brummelen and Siebren de Haan use photography, writing, film and installations to explore political questions, ranging from the status of the artist to the economic consequences experienced by a country joining the European Union. They also carry out curatorial work. The artists consistently raise political questions about the institutionalisation, particularly of art, thereby linking ethics and aesthetics.
For their ambitious new project, shown here for the first time in France, the artists have travelled from Poland to Nigeria researching the cost of sugar in the world. Intrigued by the derisory price of European sugar outside Europe, they decided to reverse the flow of sugar by buying the European excess cheaply in Nigeria and shipping it back to Europe. The result of this expedition, Monument en sucre [Monument of Sugar], is shown at the Palais de Tokyo with a 16mm film, sculptures made of sugar and a publication that follow the whole process of making the works.
Lonnie van Brummelen [1969]
Siebren de Haan [1966]
Live and work in Amsterdam, currently in residence in Paris
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Cette exposition bénéficie du soutien de 

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5 JUILLET - 25 JUILLET

Alex Cecchetti, Duvier del Dago, Mati Diop, Manu Laskar, Jaime Lutzo, Cova Macias, Denis Savary, Jean-Luc Vincent 
Artiste invité : Alain Declercq

Dans le cadre des modules du Palais de Tokyo, les artistes du Pavillon, session 2006-2007, proposent une série de confrontations sous forme de dialogue et de regards croisés sur leur expérience commune. Deux jeudis du mois de juin sont consacrés à la présentation des œuvres de deux artistes résidents qui s'appréhendent comme une réaction, une confrontation ou comme la possible construction d'un espace entre deux propositions.
Issus de six pays différents, les résidents de cette promotion ont des pratiques très diverses et des « terrains de jeu » distincts. Cette série d'expositions présente le fruit des recherches élaborées lors de leur résidence à Paris et de leur workshop en Inde en janvier 2007. 
Le Pavillon est le laboratoire de création du Palais de Tokyo à Paris. Il a été crée par l'artiste Ange Leccia qui le dirige depuis son ouverture en 2001. Le Pavillon accueille chaque année dix jeunes artistes et curateurs recrutés à l'issue d'un concours international parmi plus de 300 candidats. La durée du programme est de huit mois. Les projets de travail proposés aux résidents, expositions, publications, workshop en France ou à l'étranger sont placés sous la responsabilité d'un artiste ou critique invité qui en accompagne le déroulement. 
Le Pavillon est un lieu d'échanges entre les artistes du programme et le foyer d'une réflexion sur les pratiques et les enjeux de l'art aujourd'hui. Dans le même temps, c'est un lieu d'inscription immédiate de leur pratique dans le champ de l'art. En ce sens, les artistes recrutés sont de jeunes professionnels et leur démarche peut être enrichie au contact de nouvelles expériences. Enfin, si l'activité artistique repose en général sur l'affirmation d'une démarche individuelle, singulière et identifiable, le Pavillon génère un questionnement collectif et favorise l'élaboration d'une relation de travail entre les artistes du groupe.

Alex Cecchetti, Duvier del Dago, Mati Diop, Manu Laskar, Jaime Lutzo, Cova Macias, Denis Savary, Jean-Luc Vincent 
Invited artist: Alain Declercq

In the framework of the Palais de Tokyo modules, the artists of Le Pavillon, 2006-2007 season, are offering a series of confrontations in the form of a dialogue and an exchange of views about their shared experience. Two Thursdays in June will be devoted to presenting the works of two artists in residence, works that see themselves as a reaction, a confrontation or the possible construction of a space between two proposals.
The residents involved in this initiative come from six different countries, have very varied approaches and distinct “fields of play”. This series of exhibitions presents the fruits of the research carried out during their residency in Paris and their workshop in India in January 2007. 
Le Pavillon is the Palais de Tokyo's creative laboratory in Paris . It was set up by the artist Ange Leccia who has run it ever since it opened in 2001. Every year Le Pavillon welcomes ten young artists and curators, recruited following an international competition attracting more than 300 candidates. The programme lasts eight months. The work projects suggested to the residents, exhibitions, publications, a workshop in France or abroad, are placed in the hands of an invited artist or critic who monitors their progress. 
Le Pavillon is a place for exchanges between the artists on the programme and the focus for reflecting about the way art is practised today and the issues involved. At the same time it is a place where their practice will be immediately registered in the art field. In this sense, the artists recruited are young professionals, and their way of working can be enriched by contact with new experiences. And finally, while the artistic activity is generally based on the assertion of an individual, unique and identifiable approach, Le Pavillon generates a collective asking of questions and promotes the development of a working relationship between the artists in the group.
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carte blanche au commissariat : lucas lenglet
05 juil - 25 juil

claire fontaine 
05 juil - 25 juil

jeudis / 
Drapeau Noir sur No New York 

Drapeau de pirates, pavillon forban de Ras de St Maure.
Dessin du XVIIIe siècle.

jutta koether
Performance de Jutta Koether, musicienne et artiste, membre du groupe Electrophilia de Steven Parrino.
Performance by Jutta Koether, artist and musician, member of Steven Parrino’s Electrophilia. 
24 mai - 21h00 

cinema zero
Cinema Zero a été créé à Brooklyn en 2004 avec l’aide et le soutien de Steven Parrino. Amy Granat, cofondatrice, en présente quelques films et performances.
Cinema Zero was founded in Brooklyn 2004 with the help and support of Steven Parrino. Amy Granat, co-founder, presents movies and a performance.
31 mai - 19h30

lydia lunch
Performance de Lydia Lunch, poétesse, chanteuse, actrice, égérie du mouvement No Wave. En partenariat avec le programme Périphérie du Marché de la Poésie.
A performance by Lydia Lunch, american poet, singer, actress, and muse of No Wave.
09 juin - 19h30

drapeau noir
L’anarchisme aujourd’hui. Avec Daniel Colson, auteur du Petit lexique philosophique de l’anarchisme de Proudhon à Deleuze.
Anarchism today, by Daniel Colson, author of a philosophical ABC of anarchism, from Proudhon to Deleuze.
14 juin - 19h30

black noise
Présentation de Black Noise, la série de livres-hommage à Steven Parrino. Avec John Armleder et Mai-Thu Perret.
Presentation of Black Noise, the series of tribute books to Steven Parrino, with John Armleder and Mai-Thu Perret.
21 juin - 19h30

peter saville
Rencontre avec Peter Saville, graphiste anglais, créateur de l’identité graphique de Factory Records (Joy Division, New Order,OMD…). Avec la participation de F7.
Lecture by Peter Saville, english graphic designer, well known for his work with Factory Records (Joy Division, New Order, OMD, …)
28 juin - 19h30

grafology
Vidéastes, graphistes et graffeurs investissent l’univers de Steven Parrino toute une soirée. En collaboration avec Paris Hip-Hop.
Videasts, graphic designers and graffiti artists hack in Steven Parrino’s universe.
05 juil - 18h00

du bruit
Une conférence illustrée sur la noise et le bruit, de la musique à la littérature, en passant par le cinéma, par Olivier Lamm.
A talk on noise in music, cinema and literature by Olivier Lamm. 
12 juil - 19h30 

merzbow 
Concert live de Masami Akita, l’icône de la noise music. Avec K-oZ. 
Live performance by Masami Akita, noise music icon. With K-oZ..
19 juil - 21h00 

Le Palais de Tokyo / site de création contemporaine /
13, avenue du Président Wilson
75116 PARIS
Tél. +33 1 4723 3886 &amp; +33 1 4723 3886
fax + 33 1 4720 1531